Entrevista Q: “Cuándo se dio cuenta que usted quería ser un director?” CC: “Cuando tenía 17 años viajé a Polonia con un coro juvenil en un viaje auspiciado por el gobierno de Estados Unidos. La interpretación de música americana a través de Polonia fue una de las experiencias más espirituales que he tenido. He visto como el poder de la música puede inspirar a la gente, más adelante me di cuenta que justamente éste es el propósito de un músico, de inspirar y animar a la gente. El siguiente año, en mi primer trabajo como asistente de dirección de cuatro orquestas juveniles en el Usdan Center de Nueva York, recuerdo las sensaciones que sentí la primera vez que pisé el podium del conductor. En ese momento supe que ese era mi lugar. Mis profesores de piano querían que me concentrara en aprender repertorio de piano, pero luché con determinación porque no estaba interesado en ser otro “virtuoso del piano”. Yo quería aprender toda clase de repertorios: líder, música de cámara, sinfonías, operas. Me sentía como una gran esponja. Ahí estaba este universo de música gigantesco y yo estaba ansioso por interiorizarlo.”   Q: “Cuál es el aspecto más importante de su profesión?” CC: “El ser flexible. Al Interpretar música no todo es igual. Siempre algo está cambiando, y siempre en el último momento. Es crucial no desconcentrarse cuando las expectativas de uno se destruyen. Esa es una de las características de la vida, siempre está cambiando y nunca se queda estancada. Es importante reconocer eso y estar listo para adaptarse a cualquier cosa que suceda como producto de ello. La forma en que reaccionamos es la que determina el resultado.”   Q: “Quiénes son sus influencias más grandes?” CC: “Tendría que decir Beethoven por su gran espíritu de perseverancia a pesar de su sordera. El podría haber caído en la desesperación y volverse un alcohólico como su padre. Hablando de padres...el mío. Lo observe muy cuidadosamente. El tenía la increíble habilidad de permanecer lo más calmado en momentos de gran tensión y agitación alrededor suyo. El pudo lograr tareas aparentemente imposibles a su manera, a la que él llamaba ‘tranquilla, sin fanfarria’. El tenía un corazón de oro, la gente lo sentía y reaccionaba de igual manera. En cuanto a los directores, ciertamente Toscanini. Para empezar, sus estándares e ideales eran increíblemente altos. El era un perfeccionista y sus resultados excepcionales. Ese es un maravilloso nivel de medida para alcanzar.”   Q: “Sigue siendo necesario para los artistas americanos el establecerse en Europa antes de ganarse un prestigio fuerte en los Estados Unidos?” CC: “Es una buena pregunta. Sí y no. Algunos de los directores Americanos más famosos pasaron literalmente décadas en el exterior, en posiciones muy importantes y sin mantener una dirección musical en los Estados Unidos. Sin embargo la escena está cambiando, porque ahora hay directores Americanos en San Francisco, Seattle, Salt Lake City, Denver, Boston, New York, Buffalo, Atlanta y Washington D.C. La idea de que lo importado es superior a lo nacional está empezando a desvanecerse.”   Q: “Su elección de repertorio a menudo acentúa grandes composiciones románticas del siglo XIX. ¿A qué se debe que usted no dirige mucha música del siglo XX o contemporánea?” CC: “Los directores y los gerentes de las orquestas son muy cuidadosos sobre la programación. Los conductores también, son sensibles a la receptividad de sus audiencias. Es una cuestión de educación. No hay ninguna razón para que las audiencias no sean poco a poco introducidas a la nueva música y que la disfruten, como se pensó que debería ser. Yo he realizado varias primicias mundiales y primeras lecturas. El problema es que uno, al ser un conductor joven, quiere abordar los grandes monumentos de la música, la novena sinfonía de Beethoven, Otello de Verdi, la Misa Solemnis. Pero esto no cancela la responsabilidad de presentar música más nueva, aunque su éxito es más elevado si nosotros creamos el mejor tiempo y condiciones para su presentación.”   Q: “Por qué hay tantas orquestas que no son capaces de ganar suficiente apoyo para mantenerse a flote?” CC: “Los patrocinadores del arte han salvado mucha veces innumerables cantidades de organizaciones artísticas en este país. Otra vez, es una cuestión de educación. Si los estudiantes antes de ir a la universidad pasan 12 años sin instrucción y apreciación musical, canto o ejecución de instrumentos, al mismo tiempo no son llevados a conciertos, operas o ballets, y las organizaciones artísticas no vienen a las escuelas regularmente a compartir su arte con los estudiantes, entonces sería una expectativa absurda el pensar que ellos, cuando sean adultos serán parte de la audiencia de música clásica. Depende de nosotros. Es responsabilidad de todos compartir el gran arte con los estudiantes jóvenes. La música tiene una gran influencia en la juventud. Muchos de los jóvenes de hoy en día están en el mal camino. Nosotros debemos usar el poder de la música para penetrar en el corazón de toda la gente, inspirar esperanza, coraje y confianza para el futuro. Tenemos que experimentar un cambio enorme del paradigma en cuanto a la educación artística, y no confiar o esperar que las escuelas proporcionen instrucciones a la música, o esperar que el gobierno subvencione las artes. Claro, en Europa los gobiernos soportan instituciones culturales de una gran manera, pero esto no es Europa. No estoy para nada en contra de que el gobierno subvencione las artes, pero la realidad de los Estados Unidos (independientemente de que partido este en el poder, o si los impuestos son rebajados o aumentados), es que hay un montón de individuos con fuerte poder económico que han establecido organizaciones y fundaciones para donar el dinero necesario, y enorme corporaciones mundiales que han acumulado increíble cantidad de efectivo. No hay ninguna razón para que en el futuro, mediante la educación, aquellos que controlan estos talonarios de cheques no estarían felices de ayudar que la música y el arte sean disponible para todo el mundo. Ciertamente sucederá. Ahora mismo mucha gente se esta dando cuenta que es erróneo depender solamente en un puñado de “ángeles” para apoyar su organización artística.”   Q: “Nuestras audiencias no se están rejuveneciendo. ¿Eventualmente podría suceder que nos encontremos con una crisis a nivel de taquilla, a medida que las audiencias se envejecen y no son reemplazadas por sucesivas generaciones?” CC: “Gary Graffman dio una charla muy interesante en la Conferencia Anual de la Liga Americana de Orquesta y Sinfonía en el 2002; en la cual el indicó que en su juventud, las audiencias eran mayormente de cabello gris, y continúa siendo del mismo modo. ¡50 años después! Personalmente hace poco atendí a una presentación en el Central Park de New York; me sentí encantado al encontrar allí a una muchedumbre relativamente joven. Aquellos de pelo gris eran ciertamente la minoría.   No es tan desolador como a veces parece. Por ejemplo, hay compañías de ópera por todo los Estados Unidos que no existían 30 años atrás. Hay una gran difusión de festivales musicales de verano en las montañas y en el desierto.   Ahora se pueden comprar grabaciones de trabajos completos de muchos compositores, que es algo que no se podía hacer 20 años atrás. Ahora se pueden conseguir videocasetes y dvd de casi todas las operas que se producen hoy en día. Una vez más, esto es un desarrollo bastante reciente en los últimos 20 años. Muchas bibliotecas públicas tienen muchas grabaciones de repertorios estándar y de otros más esotérico.   Se ha convertido bastante común el crear música en una computadora de escritorio o incluso en computadoras portátiles con softwares de estudio virtual. Se consigue un software por cientos de dólares capaz de reemplazar equipos que valen cientos de miles de dólares, y que hacen música digital más fácil y accesible para componer. Entonces es difícil generalizar y decir ‘todo señala retroceso’; porque estos desarrollos muy positivos contribuyen al promedio general de la realidad corriente.”   Q: “Cuáles son sus preferencias en lo que respecta a sonoridad y color orquestal? ¿hay allí orquestas en particular cuyo estilo se acerca a su sonido ideal más que otras?” CC: “Esto puede sorprenderle, pero yo celebro los sonidos, colores y estilos que diferencian ciertas orquestas y regiones del uno con el otro. Uno tiene que admirar lo que von Karajan logro en Berlín, lo que Levin ha construido en The Met, y uno verdaderamente puede maravillarse de la habilidad de algunas orquestas Americanas e Inglesas de leer a simple vista prácticamente cualquier cosa. En una forma, a medida que las orquestas estándares han continuamente crecido más y más por los últimos 100 años, ha habido una tendencia hacia un sonido más homogenizado, global y unificado. Pero todavía hay algo muy único sobre una orquesta Rusa tocando Tchaikovsky. Tiene definitivamente una sonoridad que no se puede igualar en ningún otro lugar. De hecho, es una extraordinaria experiencia espiritual el conducir música Rusa con artistas Rusos y para una audiencia Rusa. Nunca me olvidaré de la primera vez que escuche la Filarmónica de Viena tocar el primer movimiento de Sinfonía Pastoral de Beethoven. ¡Eso sí es un sonido único! ¿Qué es sonoridad? Es una expresión del corazón de los músicos. Es muy subjetivo. No existe color o estilo superior, asumiendo si está entonado. Los directores son legendarios por el crear ciertos estilos de sonido. Stokowski era un organista, y estaba altamente interesado en color. El incluso pedía cambiar lenguetas a los músicos de viento para lograr un sonido diferente. Toscanini y Ormandy fueron músicos de cuerda, y esto fue la llave de su éxito. Toscanini, inicialmente un chelista, constantemente reprendía a la orquesta al cantar cuando en su corazón vibraba un imaginario chelo fingerboard. Las orquestas tocaron una vez con portamento. Eso es ahora considerado taboo, pero en los años 20 y principios de los 30, era bastante común y muy hermoso.”   Q: “Esto nos trae a los conceptos de instrumentos originales. ¿Usted utiliza instrumentos originales y músicos especiales cuando toca música del siglo 17 y 18?” CC: “Ciertamente compositores tales como Bach, Mozart y Beethoven estaban constantemente buscando y celebrando nuevos, mejorados y superiores instrumentos que fueran más fuertes y versátiles. Esta evolución en el desarrollo de instrumentos ha continuado después de su muerte hasta el día de hoy. Y no veo ninguna razón de limitar las dramáticas mejoras que continúan siendo llevadas a cabo, sólo porque la vida de estos compositores paso a tener un final. Ciertos aspectos de la articulación e inclinación fueron influenciados por el diseño y limitaciones de los antiguos instrumentos. Es una decisión difícil, ¿cuándo prestamos atención a la articulación demandada por los instrumentos de cierta época en relación a lo que es inherente en la música en si misma?. Por ejemplo, Leonardo da Vinci diseño un instrumento fascinante; el cual combinaba la sonoridad de instrumentos de cuerda mediante el uso de un arco de pelos tocando cuerdas. Con la ágil ventaja de un teclado, y el continúo poder de un órgano mediante un pedal de pie el cual activaba una rueda de arco de pelos a girar! En el adagio para cuerdas de Barber donde uno quiere que esa línea lírica sea muy larga y sin quebrarse, la última cosa que uno quisiera notar es el cambio uniforme de la dirección del arco de la sección de cuerdas. Aquí, ese instrumento de Da Vincci sería ideal para la tarea. Claramente hay ventajas al utilizar ciertas prácticas de cada período, yo estoy convencido que los compositores del pasado estarían fascinados al encontrar el sonido y capacidad de los increíbles instrumentos que se construyen hoy. La perspectiva más sabia es la de tener una mente abierta; y más importante que el instrumento o la articulación utilizada, es que los músicos estén tocando con el corazón. ¿Están entusiasmados con la música? y ¿está la audiencia maravillada, excitada y conmovida?”   Imprima esta página Vuelva a la tapa de la página